domingo, 14 de diciembre de 2014
martes, 2 de diciembre de 2014
FOTOGRAFÍA ESTILO COLITA
Isabel Steva Hernández, Colita, nació en Barcelona, en 1940. A los 17 años se trasladó a París. A su vuelta a Barcelona, se inició en la fotografía de la mano de Xavier Miserachs y Oriol Maspons.
En 1961 trabajó con Miserachs como laboratorista y estilista.
En 1962 realizó un admirable archivo visual de los personajes de la película Los Tarantos, de Robira Beleta.
En 1965 llegará su primera exposición Evocació del Modernisme, lo que le da la oportunidad de trabajar con los mejores directores de fotografía del momento.
Se especializa en retrato, y es considerada la fotografa de la denominada "Gauche Divine" Barcelonesa (grupo de profesionales, intelectuales y artistas), y con dicha colección de retratos, realiza una exposición en 1971. Dicha exposición fue la más corta de su carrera profesional, puesto que fue clausurada al día siguiente por la policía.
Durante los años de la transición democrática se convirtió en una de las más brillantes testigos de la cambiante realidad de su ciudad, a través de su colaboración con casas de discos, películas, periódicos y revistas.
Colita, en 44 años de profesión, ha realizado más de 40 exposiciones y publicado más de 30 libros de fotografía.
Su obra figura en la colección del Museo Nacional D´Art de Catalunya.
En 1998, el Ayuntamiento de Barcelona le impone la Medalla al Mérito Artístico, junto a los fotógrafos Oriol Maspons y Leopoldo Pomés.
Ultimamente se ha oído hablar mucho de ella ya que rechazó el Premio Nacional de Fotografía 2014.
Y aquí os dejo mi fotografía al estilo Colita:
Es un retrato con ruido y contraste (puesto que eso a Colita le gusta bastante) y he querido plasmar en esta fotografía a mi hermana con su gato porque Colita también tiene muchísimas fotos con animales.
domingo, 30 de noviembre de 2014
PROBANDO EL ISO
El valor ISO indica la sensibilidad del sensor a la luz.
Cuando se emplea una sensibilidad más alta, el sensor es más sensible a la luz lo que permite utilizar una velocidad de obturación más rápida o una abertura más pequeña. La norma básica es que se necesita una sensibilidad más alta cuando hay poca luz.
A plena luz del día se debe utilizar el más bajo posible: 100 ISO. En interiores, o en situaciones de escasa iluminación, el valor apropiado es entre 400 y 1.600 ISO.
Aunque se prefiere una sensibilidad baja para garantizar una buena calidad de la imagen ya que el ruido, que se muestra como grano en la imagen, aumenta cuando se utilizan sensibilidades más altas.
Yo he hecho una prueba con mi cámara Canon EOS 600D, para ver hasta que ISO puedo hacer fotografías con calidad sin que se note mucho el ruido, para ello he hecho esta serie de imágenes:
Y lo que he podido comprobar es que a partir de 800 ISO se empieza a notar el ruido, aunque permite hacer fotografías de calidad, pero a partir de 1.600 si que es mejor no hacerlas ya que el ruido es muy visible.
PROBANDO EL BALANCE DE BLANCOS
Las fotografías se captan en distintas condiciones de iluminación y con numerosas fuentes de luz diferentes. La temperatura de color de las fuentes de luz varía y a veces la cámara necesita su ayuda para interpretarla correctamente.
Cada fuente de luz tiene su propia temperatura de color, que se representa en la escala Kelvin. Las temperaturas más bajas tienen más naranja y las temperaturas más altas tienen más azul.
La luz solar en verano es blanca, con una temperatura de color de unos 5.500ºK.
Las sombras en un día soleado son azules unos 8.000 ºK.
La luz de las bombillas es amarilla con unos 2.400 ºK.
La luz del flash azulada tiene unos 6.000 ºK.
Yo he querido comprobar la reproducción del color con los distintos ajustes de Balance de Blanco de mi cámara. Las fotografías han sido tomadas en un interior y la fuente de luz que he utilizado es la luz natural del exterior que entraba por una ventana.
Como pude comprobar lo que más se parecía a la realidad fue el modo Automático o el Personalizado, para este tipo de fotografía con fuente de luz natural.
sábado, 29 de noviembre de 2014
EXPOSICIÓN WORLD PRESS PHOTO 2014
El pasado cinco de octubre visité la exposición de fotografía World Press Photo en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y realmente mereció la pena, es una exposición que no debes perderte, pero ya tendrá que ser la edición 2015 porque ésta terminó el 12 de Octubre.
Para los que no lo sepan, comenzaré diciendo que World Press Photo es una organización independiente sin ánimo de lucro con sede en Amsterdam, Países Bajos, donde se fundó en 1955.
Cada año, invita a fotógrafos de todo el mundo a participar en un concurso anual, el más importante y prestigioso del fotoperiodismo mundial. Un jurado internacional independiente compuesto por 19 reconocidos profesionales juzga todas las fotografías en Ámsterdam. Las imágenes ganadoras pueden verse en esta exposición anual itinerante en 100 ciudades de 45 países, que se calcula que visitarán millones de personas.
En esta edición han participado 5.754 fotógrafos de 132 países con un total de 98.671 imágenes.
Los premios de las nueve categorías del concurso han recaído en 53 fotógrafos de 25 nacionalidades distintas lo que demuestra el carácter global y la importancia de este certamen dentro de la comunidad de fotoperiodistas.
La edición de 2014 se compone de 160 fotografías que nos recuerdan lo sucedido en el mundo en el año 2013.
Nada más pasar a la exposición, la primera foto que nos encontramos es la ganadora de esta edición:
SIGNAL
26 Febrero 2013
John Stanmeyer
USA
Inmigrantes africanos, a orillas de la ciudad de Yibuti, levantan sus teléfonos móviles en un intento por captar una señal de bajo coste de la vecina Somalia para mantener el contacto con sus familias en el extranjero. Yibuti es un punto de parada habitual en la ruta de los inmigrantes de Somalia, Etiopia y Eritrea hacía Europa y Oriente Medio, en busca de una vida mejor.
Quizá tanto la composición de la fotografía como la iluminación (la luna) y el mensaje que transmite nada más verla hayan hecho que sea la vencedora de la edición 2014.
Según iba caminando por la sala y observando las fotografías pensaba, ésta es mi favorita, pero pasaba a la siguiente y pensaba otra vez lo mismo, hay una calidad en todas las fotografías en todos los sentidos que hacen que te quedes observandolas de arriba a abajo un buen rato. Pero la verdad es que a mi hubo una que me dejó huella y que todavía no consigo quitarme de la cabeza:
FINAL EMBRACE
25 Abri 2013
Taslima Akhter
Bangladesh
3er Premio - Spot News
Las víctimas yacen entre los escombros un día después del derrumbre del edificio Rana Plaza, que alojaba cinco fábricas textiles, en Savar, Bangladesh. Se desconoce la relación entre las dos personas. Este accidente ha sido uno de los peores, a nivel industrial, de la historia. Los trabajadores confeccionaban ropa para conocidas marcas occidentales. El desastre puso de relieve las peligrosas condiciones en las que viven los trabajadores de esta industria en Bangladesh, que mueve cerca de 16 mil millones de €, y en la que muchos no reciben un salario superior a los 30€ mensuales.
Es una imagen muy dura, que te hace ver la cruda realidad que se vive en otros países, que te hace sentir culpable y consigue hacerte recapacitar sobre ciertas maneras de actuar que tenemos en occidente para intentar que no vuelvan a ocurrir desastres como estos.
Las fotografías de atentados, de guerras, de hambrunas, de catástrofes naturales son las que más me impactan, pienso en el horror vivido por las víctimas y me hacen por un momento teletransportarme a ese lugar, intento imaginar ese momento, ese horror, me pongo en el pellejo de esas personas que están viviendo ese tremendo dolor. Cada imagen cuenta una historia y cada una de ellas hace que abramos los ojos hacía lo que a veces queremos pensar que no existe, pero a veces, la realidad supera la ficción.
Esta exposición también cuenta con fotografías de naturaleza, retrato o deportes, podéis verlas todas en la página web: www.worldpressphoto.org
Cuando terminé de ver la exposición subí a la azotea del Círculo de Bellas Artes para tomar unas fotografías de la fantástica panorámica que hay de la ciudad, y para mi sorpresa, me encontré con otra exposición fotográfica, esta vez de los alumnos de la Escuela de Fotografía de Madrid Efti.
La verdad es que fue un domingo muy bien aprovechado y muy fotográfico y que tuve el placer de compartir con mi compañera de clase Pilar Ariza.
martes, 11 de noviembre de 2014
PROFUNDIDAD DE CAMPO
La profundidad de campo es uno de los medios de expresión mas importantes en fotografía.
Viene determinada por:
Viene determinada por:
- La abertura del diafragma
- La longitud focal
- La distancia de enfoque
LA ABERTURA DEL DIAFRAGMA
El diafragma es un conjunto de laminillas metálicas superpuestas que delimitan una abertura circular cuyo diámetro regula la cantidad de luz que llega al material sensible. Actúa como el iris del ojo humano, variando su diámetro, podemos controlar la luz que entra en la cámara. La abertura se expresa en números f :
Cuanto mayor es el número f, menor es la abertura y, por tanto, menor cantidad de luz llega al material sensible.
Un paso hacía delante o hacía atrás significa dejar pasar el doble o la mitad de luz con respecto a la situación anterior. (En la escala básica)
Por tanto, si lo que queremos es una profundidad de campo reducida, tendremos que tener una abertura grande (=número f pequeño). Si por el contrario queremos conseguir una profundidad de campo amplia tendremos que tener una abertura pequeña (= número f alto).
LA LONGITUD FOCAL
Dependiendo de lo que queramos conseguir, si queremos una:
- Profundidad de campo reducida, usaremos un teleobjetivo con abertura máxima grande.
- Profundidad de campo amplia, usaremos un objetivo angular.
LA DISTANCIA DE ENFOQUE:
Dependiendo de lo que queramos conseguir, si queremos una:
- Profundidad de campo reducida, nos acercaremos más al sujeto a fotografiar.
- Profundidad de campo amplia, nos alejaremos más del sujeto a fotografiar.
En las siguientes fotografías podemos ver como la profundidad de campo cambia de más amplia a más reducida, lo que he hecho ha sido sin cambiar la longitud focal, ni la distancia de enfoque, ir cambiando en cada una de ellas la abertura del diafragma de una abertura más pequeña hacia una más grande:
VELOCIDAD DE OBTURACIÓN
La velocidad de obturación se refiere al periodo de tiempo durante el cual el obturador permanece abierto, permitiendo que la luz llegue al sensor.
Las velocidades de obturación se expresan en segundos y fracciones de un segundo:
1/8000s. 1/4000s. 1/2000s. : Velocidades muy rápidas
1/1000s. 1/500s. 1/250s. : Velocidades rápidas
1/125s. 1/60s. 1/30s. 1/15s. 1/8s. : Velocidades lentas
1/4s. 0,5s. 1s. 2s. 4s. 8s. 15s. 30s.: Velocidades muy lentas
Si queremos reflejar el movimiento, usaremos velocidades de obturación lentas:
Si por el contrario queremos congelar el movimiento utilizaremos velocidades de obturación rápidas:
Además de la velocidad de obturación, hay otros factores que influyen en la representación del movimiento como son:
Otro punto a tener en cuenta cuando hacemos fotos de este tipo, es el enfoque, es recomendable utilizar el modo de enfoque AF Al Servo (en Canon se llama así), este método lleva a cabo un enfoque continuo mientras el fotógrafo mantiene el disparador apretado hasta la mitad.
Tipos de fotografías utilizando el movimiento como efecto:
Las velocidades de obturación se expresan en segundos y fracciones de un segundo:
1/8000s. 1/4000s. 1/2000s. : Velocidades muy rápidas
1/1000s. 1/500s. 1/250s. : Velocidades rápidas
1/125s. 1/60s. 1/30s. 1/15s. 1/8s. : Velocidades lentas
1/4s. 0,5s. 1s. 2s. 4s. 8s. 15s. 30s.: Velocidades muy lentas
Si queremos reflejar el movimiento, usaremos velocidades de obturación lentas:
Si por el contrario queremos congelar el movimiento utilizaremos velocidades de obturación rápidas:
Además de la velocidad de obturación, hay otros factores que influyen en la representación del movimiento como son:
- La velocidad del sujeto:
- cuanto más rápido vaya, más borroso se verá.
- La proximidad del sujeto que se mueve, con respecto a la cámara:
- cuanto más cerca de la cámara esté el sujeto, más borrosa será su imagen.
- La dirección del movimiento:
- Si el sujeto se mueve en perpendicular a la cámara, la difusión será menor.
- Si el sujeto se mueve en diagonal la difusión, será media.
- Si el sujeto se mueve en paralelo la difusión, será mayor.
Otro punto a tener en cuenta cuando hacemos fotos de este tipo, es el enfoque, es recomendable utilizar el modo de enfoque AF Al Servo (en Canon se llama así), este método lleva a cabo un enfoque continuo mientras el fotógrafo mantiene el disparador apretado hasta la mitad.
Tipos de fotografías utilizando el movimiento como efecto:
- Barrido horizontal: Consiste en captar nítido al sujeto en movimiento mientras que el fondo queda borroso. Por ejemplo, un coche con el fondo borroso creará la impresión de velocidad. Cuando el sujeto se aproxime, hay que seguirlo con la cámara y pulsar el disparador cuando el sujeto esté cerca. Mantener pulsado el disparador y seguir al sujeto durante toda la exposición y un poco más después de la misma. La teoría es fácil, pero el problema viene al realizarlo, dado que es complicado y requiere de mucha práctica, he aquí un ejemplo:
- Zoom in y Zoom out: La finalidad principal de este efecto es aumentar la sensación de movimiento o de velocidad a un objeto que esté totalmente parado. Para realizarlo movemos el anillo de zoom del objetivo a la vez que hacemos la foto. Para ello, es recomendable empezar el movimiento de zoom antes de disparar.
- Zoom in: Dará la sensación de que el sujeto se mueve acercándose a la cámara.
- Zoom out: Dará la sensación de que el sujeto se mueve alejandose de la cámara.
domingo, 26 de octubre de 2014
Street Photography in New York
Después de muchos días sin publicar nada, debido al poco tiempo que tengo entre el trabajo y las clases, hoy, domingo, por fin, tengo un momento libre, y cuando tengo un poco de tiempo lo dedico a lo que más me gusta, la fotografía.
En estos últimos días hemos estado viendo en clase, el género de fotografía callejera y por ello, os dejo una muestra de fotos que hice este verano en Nueva York.
Espero que os gusten
lunes, 13 de octubre de 2014
Fotoperiodismo de guerra, entre el bien y el mal
Después de ver en clase dos documentales sobre fotógrafos de guerra, Bang Bang dispara y War Photgrapher y el corto Una centésima de segundo, se me viene a la cabeza una pregunta, ¿debe el fotógrafo ayudar a la persona que está muriendo o retratar lo que esta pasando para que lo vea el mundo?
Muchos fotógrafos, se han visto en esta difícil situación, ejemplos de ello son:
Robert Capa, fotógrafo inigualable del s.XX mundialmente conocido por sus fotografías de guerra. Una de sus imágenes más famosas la tomó en Córdoba durante la Guerra Civil Española y se llama "Muerte de un miliciano":
El 25 de mayo de 1954, Capa se unió a un destacamento francés, con la misión de conquistar las posiciones de los vietnamitas. Cuando cayó la tarde el convoy francés fue presa del fuego de los francotiradores vietnamitas. Él, viendo la posibilidad de tomar una buena fotografía, se adelantó y escaló a un montículo para captar la instantánea de los combatientes franceses en la lucha. Sin embargo esta vez no fue tan precavido, pues un mal paso le hizo poner un pie en una mina provocando una explosión que cubrió su cuerpo.
Así moriría Robert Capa, en pleno combate y armado sólo con su inseparable cámara y nos dejaría esta frase, que quedaría para la posteridad "Si tus fotografías no son lo suficientemente buenas es por que no estás lo suficientemente cerca".
Otro fotógrafo que también tuvo un final trágico fue Kevin Carter, famoso por documentar los asesinatos del apartheid con su grupo conocido como el Bang Bang Club, y por una fotografía que conmovió al mundo y que quizás hubiese caído en el olvido de no haber sido premiada con el Pulitzer. Las palabras de Carter al recoger el premio fueron "Es la foto más importante de mi carrera pero no estoy orgulloso de ella, no quiero ni verla, la odio. Todavía estoy arrepentido de no haber ayudado a la niña".
El fotógrafo fue duramente criticado por parte de la opinión pública, eso y la muerte de su colega Ken Oosterbroek, fueron algunas de las causas que llevaron al suicidio, dejando una nota en la que se podían leer fragmentos como: "Estoy atormentado por los recuerdos vividos de los asesinatos y los cadáveres y la ira y el dolor [...] del morir del hambre o los niños heridos, de los locos del gatillo fácil, a menudo de la policía, de los asesinos verdugos [...] He ido a unirme con Ken, si tengo suerte".
Nick Ut en 1972, tomo la conocida fotografía "La niña del napalm". La protagonista de la instántanea era Kim Phuc, una niña vietnamita que escapaba de un ataque con bombas de napalm y que destruyó el pueblo donde vivía.
Nick Ut se encargó de llevarla a una clínica. Kim Phuc sufrió graves quemaduras que le acompañarían de por vida. Gracias a este testimonio visual, Nick Ut ganó el premio Pulitzer de fotografía.
Por suerte esta fotografía no tiene un final tan trágico como los anteriores. Actualmente Ut todavía trabaja para Associated Press y mantiene contacto con Kim Phuc, quien reside en Canadá.
Como podéis comprobar estos fotógrafos arriesgan sus vidas para mostrar lo que pasa en el mundo, un mundo lleno de injusticias y violencia, en el que seres humanos mueren sin razón y que si no fuera por las imágenes tomadas por estos fotógrafos, esos hechos caerían en olvido y parecería que nunca existieron, pero las imágenes quedarán ahí, y estarán para siempre.
El dilema moral que plantean este tipo de fotografías es quizás irresoluble. Como todo dilema, plantea dos cuestiones, entre las cuales tenemos que elegir, pero es tan dificil que no sabemos cual. Por un lado, ¿debería el fotógrafo ayudar en vez de pulsar su disparador de la cámara? O desde un punto de vista más utilitario, ¿no sería más útil hacer la foto y mostrarla al mundo para que se tomaran medidas?
Muchos fotógrafos, se han visto en esta difícil situación, ejemplos de ello son:
Robert Capa, fotógrafo inigualable del s.XX mundialmente conocido por sus fotografías de guerra. Una de sus imágenes más famosas la tomó en Córdoba durante la Guerra Civil Española y se llama "Muerte de un miliciano":
El 25 de mayo de 1954, Capa se unió a un destacamento francés, con la misión de conquistar las posiciones de los vietnamitas. Cuando cayó la tarde el convoy francés fue presa del fuego de los francotiradores vietnamitas. Él, viendo la posibilidad de tomar una buena fotografía, se adelantó y escaló a un montículo para captar la instantánea de los combatientes franceses en la lucha. Sin embargo esta vez no fue tan precavido, pues un mal paso le hizo poner un pie en una mina provocando una explosión que cubrió su cuerpo.
Así moriría Robert Capa, en pleno combate y armado sólo con su inseparable cámara y nos dejaría esta frase, que quedaría para la posteridad "Si tus fotografías no son lo suficientemente buenas es por que no estás lo suficientemente cerca".
Otro fotógrafo que también tuvo un final trágico fue Kevin Carter, famoso por documentar los asesinatos del apartheid con su grupo conocido como el Bang Bang Club, y por una fotografía que conmovió al mundo y que quizás hubiese caído en el olvido de no haber sido premiada con el Pulitzer. Las palabras de Carter al recoger el premio fueron "Es la foto más importante de mi carrera pero no estoy orgulloso de ella, no quiero ni verla, la odio. Todavía estoy arrepentido de no haber ayudado a la niña".
El fotógrafo fue duramente criticado por parte de la opinión pública, eso y la muerte de su colega Ken Oosterbroek, fueron algunas de las causas que llevaron al suicidio, dejando una nota en la que se podían leer fragmentos como: "Estoy atormentado por los recuerdos vividos de los asesinatos y los cadáveres y la ira y el dolor [...] del morir del hambre o los niños heridos, de los locos del gatillo fácil, a menudo de la policía, de los asesinos verdugos [...] He ido a unirme con Ken, si tengo suerte".
Nick Ut en 1972, tomo la conocida fotografía "La niña del napalm". La protagonista de la instántanea era Kim Phuc, una niña vietnamita que escapaba de un ataque con bombas de napalm y que destruyó el pueblo donde vivía.
Nick Ut se encargó de llevarla a una clínica. Kim Phuc sufrió graves quemaduras que le acompañarían de por vida. Gracias a este testimonio visual, Nick Ut ganó el premio Pulitzer de fotografía.
Por suerte esta fotografía no tiene un final tan trágico como los anteriores. Actualmente Ut todavía trabaja para Associated Press y mantiene contacto con Kim Phuc, quien reside en Canadá.
Como podéis comprobar estos fotógrafos arriesgan sus vidas para mostrar lo que pasa en el mundo, un mundo lleno de injusticias y violencia, en el que seres humanos mueren sin razón y que si no fuera por las imágenes tomadas por estos fotógrafos, esos hechos caerían en olvido y parecería que nunca existieron, pero las imágenes quedarán ahí, y estarán para siempre.
El dilema moral que plantean este tipo de fotografías es quizás irresoluble. Como todo dilema, plantea dos cuestiones, entre las cuales tenemos que elegir, pero es tan dificil que no sabemos cual. Por un lado, ¿debería el fotógrafo ayudar en vez de pulsar su disparador de la cámara? O desde un punto de vista más utilitario, ¿no sería más útil hacer la foto y mostrarla al mundo para que se tomaran medidas?
sábado, 4 de octubre de 2014
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